Abstrakt expressionism, även kallad New York School, beskriver ett brett spektrum av målningen stilar som är förankrad i de grundläggande principerna för psykoanalytiker Carl Jung. Han teoretiserade att under privata minnen och kunskap om en mänskliga ligger en "kollektiva omedvetna", eller en värld av symboler och arketypiska former som är universella och meningsfull för oss alla. Om målningen skapas i den gesturalism som definierats Jackson Pollack stil eller färg fältet målningar av Mark Rothko och andra, är målet av abstrakt Expressionism att utnyttja det kollektiva omedvetna och dra ut symboliska former.

Historisk utveckling

Utbrottet av andra världskriget orsakade många konstnärer att flytta från Europa till Amerika och bosätta sig i New York. Många av dem träffade genom WPA (arbeten projektadministration), som finansieras konstnärer för målning väggmålningar i offentliga byggnader. Andra infördes genom kubistiska Hans Hoffman, som undervisade vid Arts studenter ligan och senare öppnade en skola av hans egna. Kroppen av arbete som dessa konstnärer mellan 1940 och 1960 är inte allt abstrakt eller expressionistiska, men det är ändå kallas abstrakt Expressionism, en konstnärlig skola av vilken färg fältet målning är en gren. Eftersom abstrakta expressionisterna träffades främst på Cedar Tavern i Greenwich Village, kallas rörelsen också The New York School. Färg fältet målning står förutom andra aspekter av abstrakt Expressionism i stor utsträckning i sitt förkastande av den gesturalism som markerar "action" stilar (till exempel Pollock droppade och slängde stil färg ansökan) för en mycket tystare, enklare tillvägagångssätt. Men som Abstractionists färgfältet målarna avvisa föreställande ämnet, de skiljer sig från alla andra stilar i deras famn av ren färg och geometriska design. Det typiska färgfältet arbetet är stora block av färg, mjuka eller hårda, som, enligt konsthistorikern Marilyn Stokstad är tänkt att "framkallar transcendent känslotillstånd." De första artisterna ska karaktäriseras som i fältet färg målare var Mark Rothko (1903--1970), Barnett Newman (1905--1970), och Clyfford Still (1904--1980). Termen användes på grund av likheterna i de känslomässiga och formella stilarna av deras arbete, som bestod av stora "fält" av färg.

Kännetecken för stil

Färg fältet måleri kännetecknas av stora sammansättningar av färg som täcker hela duken. Som åtgärd målningar, färgfältet målningar saknar central fokus och i stället behandla ytan som ett synfält. De skildra inte objekt i den naturliga världen, men i stället är avsedda att framkalla känslor i visningen med platt färg ensam. Innehållet i målningen är spänningen orsakad av fälten överlappande färgen och storleken på duken, som omsluter betraktaren i färger som sträcker sig utanför perifera seendet, så att fältet färg blir en stor ocean. Former som avbildas på duken är integrerade i den mån rumsliga distinktioner oskärpa, och bildar SKIFT i betraktarens öga från bild till bakgrunden och vice versa.

Målare och exempel på stilen

Förutom de tre första färgfältet konstnärerna finns det flera andra vars arbete följer färgfältet motivet. Bland dessa finns Jules Olitski (1922-), Kenneth Noland (1924-), Alma Thomas, Morris Louis, Paul Jenkins, Sam Gilliam och Norman Lewis, även om det finns många andra. Även om deras arbete är liknande nog att vara klassificeras under en etikett, inte alla av dessa konstnärer arbetade i samma stil, eller gjorde de tillskrivar det samma menande till deras arbete. Mark Rothko arbete är vanligtvis mjuka kanter, som skildrar två till fyra rektanglar av färg lager över en monokrom bakgrund medan Barnett Newman målar exakt monokrom dukar, helt utan avbrott med undantag för en eller flera vertikala linjer, eller "vinanden," som delar färg. Andra artister som Helen Frankenthaler och Morris Louis, utvecklat en viss typ av färgfältet målning kallas "Stain målning," där flytande färg hälls på unprimed canvas.

Tolkning och mening

I fältet färg målarna bröt konventionerna om dagen både ämnet och teknik. Till synes enkla eller meningslös dukarna är avsedda att framkalla en elementär ännu cerebral svar i visningsfönstret. Målet var inte att skapa vackra bilder, utan att utnyttja sublima. Som konstnärer Gottlieb, Rothko och Newman själva skrev i en berömd brev till New York Times i juni 1943: "för oss, konsten är ett äventyr in i en okänd värld av fantasi som är fancy-free och våldsamt emot sunt förnuft. Det finns inget sådant som en bra målning om ingenting. Vi hävdar att ämnet är kritisk." Storleken på tavlorna är avgörande för tolkningen. De jättelika kanfaser tillsammans med det avsedda i närheten som tittar på utbud omger och fördjupa betraktaren med stark, platt färg. Färg fältet målning saknar detalj och beskrivning om ett synligt ämne, och i viss mening enskilda målningens föremålet är den subjektiva upplevelsen av färg själv. På samma gång, men gör målningarna objektiva observationer om tillståndet i mänskligheten. Mark Rothko, används till exempel sin dukar för att skildra två omstridda mänskliga tendenser som beskrevs av Friedrich Nietzsche som det dionysiska och det apolloniska (det känslomässiga, instinktiva självet kontra den rationella, disciplinerade själv). Färgerna är enade på duken, och ännu, eftersom moderna människan alltid "tragiskt delas," färg fälten avgränsas alltid också. Barnett Newman också upp villkora av modern mänskligheten genom sitt arbete och sade att hans ämne var "[t] han själv, fruktansvärda och konstant." (Konsthistoria, p 1135). De tunna vertikala linjer (blixtlås) som delar hans dukar är symboliska för finite själv kontrasterade mot till synes oändliga bakgrundsfärgen i universum. Hans arbete syftade till att göra betraktaren känner inte obetydlig, men upphöjd och fri från nedkomsten. Enligt Newman, hans målningar är ett sätt att "... frigöra oss av föråldrade rekvisita av en förlegad och föråldrade legend... frigöra oss från de hindren för minne, association, nostalgi, legend och myt som har produkter av västra europémålningen" (metmuseum.org).

Historisk betydelse

Originalitet och innovativa kanten av abstrakt Expressionism i allmänhet, inklusive färgfältet konst, bar i nästan samma ögonblick att moderna museet anordnade en utställning av deras arbete. Utställningen turnerade åtta europeiska huvudstäder och färdiga i New York i 1958-59, men vid den tidpunkten rörelsen inte längre var ny, och den andra generationen av konstnärer som försökt att fortsätta där den första vågen hade slutade var anklagad för att vara "metod aktörer" vars arbete betydde ingenting. Därefter följde en retur till den figur och mer föreställande konst, trots art kritiker orubblig påstående att moderna konstnären kunde bara gå framåt genom att bli mer abstrakt. Konst avvek sedan, först för att skulptur som George Segal arbete som placerade skulpterade siffror i verkliga miljöer, och sedan till levande människor i verkliga miljöer. Den senare kallades "happenings", eller performancekonst.